Les arts asiatiques du musée Guimet de Paris 1ère partie… !

Avant de vous remettre un billet sur mes pérégrinations en Allemagne,

ou, à la demande générale un billet sur l’art contemporain.

J’ai décidé de changer de continent et de vous emmener voir les arts asiatiques. Pas besoin de prendre l’avion, le Musée Guimet de Paris nous offre de vrais chefs d’œuvres. Loin des foules du Louvre on peut déambuler dans les salles rénovées ;

 là pas besoin d’attendre de longues minutes pour éviter d’immortaliser une visiteuse à la place de Shiva, ou un beau mâle se prenant pour bouddha.

(Masque de Bhairava Népal, vallée de Katmandou Fin XVIe, début XVIIe siècle)

« Ce visage, encadré d’une coiffure radiante, dégage une force expressive que renforce le traitement chantourné et déchiqueté des sourcils, de la moustache et de la barbe, selon un mode typique du début du XVIIe siècle. Le troisième œil frontal permet d’identifier cette figure de Bhairava comme la manifestation farouche de Shiva. Sa coiffure est scandée de fleurons rehaussés de médaillons de pierres bleues et ses oreilles aux lobes percés devaient probablement supporter une parure de matière précieuse. Par son ornementation chargée, délicate et raffinée, cette pièce est caractéristique de l’art de la population Neware (communauté de la vallée de Katmandou)».

 (Roue de la Loi « dharmacakra » Thaïlande)

« Cette roue de la Loi, caractéristique de l’art bouddhique pré-thaï dit de Dvâravatî, est ornée de motifs floraux et végétaux de même que de petites flammes figurant sur la tranche. Bien qu’une datation du VIIIe siècle soit retenue, la tête de lion (simhamukha) située en partie inférieure de l’oeuvre, ainsi que la luxuriance du décor, indiquerait davantage une datation du IXe siècle. Très importantes dans l’art ancien de l’Inde, les roues de la Loi en ronde-bosse sont nombreuses dans l’art du royaume de Dvâravatî à partir du VIIe siècle. Une telle pièce renvoie à la première prédiction du Buddha dans le Parc aux gazelles de Sârnâth, près de Bénarès. Ces dernières étaient en général placées sur une base au sommet d’un pilier représentant symboliquement le mont Meru, axe du monde couronné par le palais d’Indra, le roi de tous les dieux».

 (Tambour du Sông Dà dit «tambour Moulié », du nom de son propriétaire)

"Ce tambour est composé d’un plateau sonore, reposant sur un tore évasé, d’une caisse cylindrique et d’un pied tronconique. Quatre anses, doubles, relient la partie supérieure au corps central. L’ensemble a reçu un décor en méplat dans lequel des motifs géométriques alternent avec des représentations figurées, stylisées. Le plateau est orné au centre d’une étoile ( ?) autour de laquelle s’organisent, en registres concentriques, diverses scènes sans doute liées à des rites de fécondité aujourd’hui perdus. Des guerriers parés de plumes y sont représentés défilant vers la demeure du défunt, une maison à pilotis dont la plate-forme supporte des tambours recevant les grains de riz que pilent d’autres personnages. Emportant des Guerriers-esprits, les « barques de morts » ornées de têtes et de queues d’oiseaux évoluent sur la caisse. Quant au corps vertical de l’instrument, de semblables guerriers-esprits s’alternent avec des motifs géométriques".

 (Fronton- Cambodge)

"Ce haut-relief présente une scène narrative encadrée par un rampant polylobé surmonté de feuilles dressées, et terminé par des nâga polycéphales. Il s’agit d’un épisode du Mahâbhârata, la grande épopée indienne, dont Visnu sous les traits de Krisna, est l’un des héros. De part et d’autre d’un arbre de forme ogivale, les deux asura (démons) Sunda et Upasunda se disputent la possession de l’apsaras Tilottamâ, créée par les dieux pour engendrer la guerre entre les deux frères et rétablir la paix sur terre. Ce conflit se déroule sous le regard d’ascètes. Les images en relief, très vivantes s’opposent dans l’art khmer aux statues de culte plus hiératiques et impersonnelles. L’exactitude dans le rendu de la nature, la perfection de l’exécution, l’imagination, mêlant de gracieuses figures aux décors végétaux luxuriants, définissent le style de Banteay Srei".

 (Bodhisattva Avalokiteshvara Viêt-nam, région de Hanoi XVIIe siècle)

"Cette œuvre nous présente une image particulière du bodhisattva Avalokiteshvara, sous sa forme féminine de Quan Âm (Guanyin). Cet aspect, très populaire en Chine voisine, est particulièrement vénéré dans le nord du Viêt-Nam d’où provient cette figure. On reconnaît ce bodhisattva au costume, un ample vêtement noué sur le ventre, un manteau enveloppant les épaules et un voile sur la tête. La richesse de son ornementation constituée de rinceaux dans la coiffure, et de colliers de perles, est également héritée de la tradition chinoise. La divinité est assise avec une jambe repliée, sur un rocher aux formes déchiquetées. Les plis du tissu, les détails de son ornementation, la plénitude des formes, et le sens de l’élégance emprunt d’une grande majesté, sont caractéristiques de l’apogée de l’art bouddhique, au XVIIe siècle, dans la région de Hanoï. Cette œuvre est exceptionnelle par la qualité de son exécution, De plus, une inscription en Chinois, rarement présente sur ce type de sculpture, accompagne cette image : « la sainte et vertueuse Quan Âm au vêtement blanc »".

 (Statue du luohan Tâmrabhadra, Chine septentrionale, Dynasties Liao-Jin (Xe-XIIIe siècle)

"Le terme luohan (sanskrit arhat) qualifie les disciples directs du Buddha, parvenus en Nirvâna, et l’idéal de la quête bouddhique. Cette statue du méditant hiératique au chapelet d’une rare qualité, traduit la quiétude particulière de la concentration, faite de vigilance et de détermination. Par la monumentalité et l’équilibre de la figure, la vérité plastique du corps et du *kâsâya qui le drape, l’expressivité caractéristique de la période Liao-Jin (Xe-XIIIe siècle) dans le portrait hautement individualisé, cette œuvre manifeste d’une filiation avec la tradition réaliste de l’époque Tang (618-907). L’œuvre résulte du syncrétisme entre l’art des sculptures en terre séchée réservées aux statues de culte aux époques précédentes, et l’art de la céramique, utilisant la glaçure des « trois couleurs », dans la tradition chinoise des substituts funéraires".

*   On dit du kasâya qu'il comprend trois robes. Ce sont la robe de cinq bandes, la robe de sept bandes, et la grande robe de neuf ou plus bandes. Les excellents pratiquants ne reçoivent que ces trois robes, et n'en gardent pas d'autres.

Sources : Documentations musée Guimet, Google.

Musique de la vidéo :

Mantra de Avalokiteshvara, chants des moines bouddhistes

Comments

[Chris]

Bein ...c'est ce que j' allais dire !!!...pas du tout attirée par les arts asiatiques , chinois , japonais , hindous ou indonésiens qu' ils soient ( dont ma soeur , par contre , raffole )..beaucoup plus par les " arts méditerranéens " en général ...un faible pour l' art et l' architecture mauresques ...

Tiens ...y a un musée d' arts asiatiques juste en dessous de chez moi ...le musée de al Floridiana ...

[boutfil]

tiens , je l'ai jamais fait celui-là, faudrait y penser, quoique je ne soit pas fan vraiment des arts asiatiques !

bisous

[NOURATIN]

Ce sont vraiment des trésors, ça vaut le coup d'être vu, au moins grâce à ton reportage on a une idée.

Bon, leur musique c'est pas du Mozart mais enfin ça met dans l'ambiance.

Amitiés.

[G.Mevennais]

Attention cependant, pas dérapage, "l'orgue de Dom Bedos" OK mais pas de coquille, pas "Guy Bedos" (lol)

Gilles

[G.Mevennais]

Ben tu es particulièrement prolifique actuellement, c'est la raison pour laquelle j'ai repris mes visites fréquentes et je m'aperçois, qu'aujourd'hui, je semble être le premier !!! Yessss ! Bon, ceci à part, voilà une visite non conventionnelle mais super intéressante, avec, à mon sens, comme "tête d'affiche" cette magnifique statue "du Luohan" dont l'expression est saisissante !

Amitiés. Gilles